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💫10月特別開放時間 Oct Special Opening Hours ⏰艺鵠書店 ACO BOOKS 📚14/F 「艺鵠個嘢」報咗名學剪頭髮💈，所以10月某啲日子（主要星期三、五）書店會早少少閂門，敬請留意。📣不過大部分時間都係照常開1...
11/10/2026

💫10月特別開放時間 Oct Special Opening Hours ⏰
艺鵠書店 ACO BOOKS 📚14/F

「艺鵠個嘢」報咗名學剪頭髮💈，所以10月某啲日子（主要星期三、五）書店會早少少閂門，敬請留意。📣
不過大部分時間都係照常開1-7pm。想嚟買書或者睇書嘅朋友仔，擇個良辰吉日嚟丫🈺
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⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚即與離的方式：訪群展「So Far So True」撰文︰Rico Lau以創作談論距離，總要在複數而殊異的情節中透射出寓意。人與他人、地方或物件之間的物理距離，衍生出各形各態的拉扯、排拒、鄉愁...
06/10/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚

即與離的方式：訪群展「So Far So True」
撰文︰Rico Lau

以創作談論距離，總要在複數而殊異的情節中透射出寓意。人與他人、地方或物件之間的物理距離，衍生出各形各態的拉扯、排拒、鄉愁或解脫。現代空間中切身的分隔，大抵皆指向心理上無色無形的匱乏，過近與過遠同樣令人困擾。群展「So Far So True」匯集五位藝術家，以距離為題，鋪陳出各自經歷過的陌異與糾結。五份裝置作品分佈於展間，從取材、製作到展示，距離造就了視點的遷移，許多難以名狀的記憶碎片從中冒現，藝術家一一拾遺，因距離而生的素材，竟可變成書寫距離本身的工具。

小東的散文錄像裝置《暈浪症》，以大尺幅、倒置的投影光改動了入口空間的氛圍。各種水體中不同質地的藍色漫射於空氣中，天花螢幕下置放兩張帶滾輪的床，床褥上的黃綠格子由清潔海綿拼成。進入作品的人躺在親柔和粗糙交織的彆扭之上，沉浸於一段關於離散的故事裡。語言的隔閡和錯摸、列車上一名遠嫁他方的女性、明麗的河畔、鵝的臃腫身姿隨風漂泊在綠水上。浮床強行令身體代入影像的游移、晃動與不確定，或意在受制的視點中帶入一點可控的放任。獨白的字裡行間藏著無奈，卻不時帶有警惕：「切勿盯緊」。距離的限制挪動著不情願的軀體，在陌生的海上感受暈眩，觸發本能的自衛機制，將目光拋遠，瞞天過海。

湛藍空間的另一邊顯得沉靜。謝銘思的《Finding FOMO》以一份工整的實驗報告，記錄她試圖重塑一款停產面膜的過程。距離在此不只是景色的前設，倒是一種最切膚的體驗。作品以檔案形式出現。粉色的實驗品於冷藏庫裡待取，實驗過程被詳實製成報告，工具亦羅列在通透而理性的玻璃櫃中。「FOMO」一詞原為商品名稱，即「Fear Of Missing Out」的縮寫，指懼怕落後於他人、與社會脫節的焦慮。當產品絕跡，連對錯失的懼怕本身亦被錯失；追求極致緊貼，最後卻失諸交臂。檔案裝置的作用，或在於為「追憶」的舉動賦予實感。 有趣是，作品雖以實驗為名，卻導向複述挫敗的抒情式表達。製作的框架指向可控的結果，或亦提供了一種自我慰藉的可能。距離過近所致的失神或恍惚，或須以一連串自我假定的索求來紓解。

轉角的一部幻燈片機召來一批寫實的幻象，咔嚓聲以平穩的節奏彈射出生活碎片。在忻慧妍作品《室外房內，天氣以外》中，兩張幻燈片被重疊成同一個影像。清晰可辨不再是器械的唯一所求，影像擷取、追溯世間百態的一瞥，而後轉譯成刺激聯想的訊號。同一套訊號周而復始地輪轉。從中可見銅版畫般的蝕刻肌理，又見如顯微鏡對焦下的科學影像，整體冷靜，卻同時含糊、曖昧。兩塊正片的貼合，反過來鬆動了影像與現實的扣連。或者說，物料之間的距離，成功消融了能指與所指之間的距離。唯以感官作線索，方可探測藝術家試圖描繪出的內在不安或波瀾。

相隔幾步之遙，另一組的聲畫蒙太奇依然破碎，忽明忽暗。黃嘉淳的《日常片段》以看似無關痛癢的素材，紀念看似無關痛癢的事情。打印於廁紙上的黑白圖像成了定格動畫，投影在兩面配備聲音裝置的巨碑上。乍見一些正在耍玩的模糊群像，時而閃滅，而噪聲持續縈繞。當中的畫與聲，皆經過長距離收發，前者取自通訊程式的對話紀錄，後者則先由現場採集，再經跨地域傳輸、轉換而成。站在兩碑之間，看到的和聽到的同樣抽象。科技尚未使實體交流變得毫無意義，電子通訊的延遲與滯後卻因而充滿時代性。便利唾手可得，雜訊的存在亦隨之被放大。此作似在細看人如何在超克的同時仍囿於距離之限。作品形式使日常的輕盈昇華，化成一段歷史感充沛（甚至近乎滿溢）的官能體驗。

展廊的盡頭並未提供結語，反而鋪陳出更零散的提問與奇思妙想。蟻詠琳的《時間旅行者》將六段錄像分成兩組，置於角落。中間一隻小型陶瓷羊，似是敘事的匯合點。想起昆德拉說的「複調」：異質卻相關的內容同時發生。這邊複述母親的旅遊經歷，那邊憶起一次誤闖無名隧道的怪事；這邊記錄太陽東升西落，那邊描述一個壞掉的時鐘；這邊是天空，那邊是地底；這邊近，那邊遠。既然已認知到完美同步的不可能，便更要細述那些因差異而生的沮喪。藝術家以錄像與陶塑兩種迥異的媒介，一再靠近早已遠去的事件，觀照當中帶有差異的巧合。失序的偶然或多或少被整理成若有所指的想像。

展覽作品在平穩中內藏躁動，為無法即時相逢的事物留痕。在可供量度的間隔中，經驗從中變形，記憶滯後。其中，一些略嫌牢固而昭彰的象徵，似乎削弱了讓人一探乾坤的引力。因距離而生的作品，或也因距離而失焦。縱然如此，它們卻讓距離成為感知得以展開的縫隙。所有未能契合之處若即若離，容許人們在靠近與放手之間，持續練習相見或相忘。
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圖片由作者提供
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So Far So True
地點︰JCCAC-L0藝廊
展期︰2026年8月28 – 9月27日

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚比本土更本土的考掘學——評「方土誌」撰文Rony TseWMA以「希冀」作為年題的第二個委託創作計劃「方土誌」，展出與上一個展覽完全迥異的命題與風格，從虛構與虛擬摺疊的個體經驗，轉向聚焦真實的物...
04/10/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚

比本土更本土的考掘學——評「方土誌」
撰文Rony Tse

WMA以「希冀」作為年題的第二個委託創作計劃「方土誌」，展出與上一個展覽完全迥異的命題與風格，從虛構與虛擬摺疊的個體經驗，轉向聚焦真實的物質世界作檔案研究，嘗試從歷史維度呈現另一種普遍經驗的厚度與張力。葉靈鳳早於1957出版的《香港方物志》，被視為本土生態與風物書寫的最早嘗試，而「方土誌」的研究則可說是比本土更本土的媒體考古學，直接以泥土作為主體，重構另一種人與自然交織而成的地誌書寫。

藝術家潘子懷與生態學家Coşkun Güçlü以大帽山北坡作為基點，層層考掘表層與底層蘊含的各種痕跡。展覽以檔案的方式呈現土地的厚度，當中《實驗室》裝置以採集的泥土樣本為核心，透過幻燈片的視覺化，嘗試再現微生物的擬象，並通過轉譯微生物的DNA序列成為聲音，讓不可見的分子世界得以被感知。

從微觀的泥土至宏觀的大帽山，展覽陳列出各種與大帽山相關的文獻紀錄，包括早年的梯田坡地相片、英殖時期的軍人農務手冊，乃至1999年山火後植樹的照片。錄像《方土寸心》則將各種歷史碎片串連成一道大歷史外的微敘事，以山林為媒介，銘刻國族的變革。錄像透過歷史學者、村民、生態學家等的訪談，勾勒出一個香港本土邊陲的系譜。由1999年的山火為切入點，讓原先隱沒在密林的各種痕跡得以暴露，隨之追溯到早年魚骨狀梯田指向的茶園貿易，及至英殖時代啹喀兵駐守當地務農的回憶。2000後的植樹復修計劃，亦標誌著對大帽山的重新書寫，同時叩問整個考掘置於當下香港脈絡的意義。

「方土誌」作為對「希冀」主題的回應，並未將目光指向未來，或提出某種烏托邦式的想像與思想，反而著眼於考掘最唯物及幽微的歷史，以此開闢對時間的重新思考，從過去考察改寫未來的種子。展覽亦將對於「希冀」的思考拉闊至跨物種的行星維度，從微生物的世界重新描繪希冀的願景。但泥土下的深層考掘，與大帽山的表層爬梳之關係，仍然可以有更深入的整理與連結，特別是微生物的發現如何重塑關於大帽山歷史的書寫，乃至表層與深層兩種時間摺疊的意義。

展覽以錄像為核心交代整個研究成果，為讀者梳理脈絡，但其他檔案與裝置的展示卻彷彿淪為錄像的註腳，未有凸顯它們的獨特性，或以此延伸更多有關香港檔案學的討論。事實上，假若希冀不是一個終點，而是一股驅力，「方土誌」正示範藝術如何作為介入的運動，持續挖掘與重構更深的紋理，尋找逃逸的路線。
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圖片由作者提供
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方土誌
地點︰WMA Space
中環永和街23-29號俊和商業中心8樓
展期︰2026年6月13 – 9月30日

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚Nicole Pun評「身皆己身——香港百年性工作歷史計劃」「身皆己身——香港百年性工作歷史計劃」設於尖沙咀一個人煙稠密的商場地庫內。展場外，粉紅、藍色燈箱寫著「選擇」、「或來或往，可任意行」，...
24/09/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚
Nicole Pun評「身皆己身——香港百年性工作歷史計劃」

「身皆己身——香港百年性工作歷史計劃」設於尖沙咀一個人煙稠密的商場地庫內。展場外，粉紅、藍色燈箱寫著「選擇」、「或來或往，可任意行」，鮮艷的視覺語言令人聯想到油尖旺區性服務場所外的招牌。然而，文字並非指向色情，而是把焦點轉向性工作者的主體性：他們如何理解自己的工作？又如何在自由與限制之間作出選擇？

「身皆己身，或來或往，可任意行。」源於十九世紀香港殖民政府發給註冊性工作者的牌照。字面上宣稱身體自主與行動自由，現實卻透過發牌、監控、強制驗身與醫療規管控制性工作者的身體。這種自由與控制並存的矛盾，成為展覽的重要線索。

走進接待處，另一個燈箱寫著：「性工作是工作。」展覽把香港殖民地歷史與性工作者的第一身口述故事交織起來，透過歷史檔案、衣物、夜總會與按摩房間場景，讓觀眾進入他們的工作處境。特別的是，展覽沒有直接展示性工作者的肖像或訪問影片。相反，他們留下的物件與第一身文字，形成一種「身體缺席，痕跡卻在場」的狀態。每位受訪者都有自己的化名、工作年資、職業身份與性別資料——有人自稱為「按摩師」，有人是「專業女王」——這些細節讓他們不再只是「性工作者」這單一標籤，而是有各自工作方式與身份認同的人。

其中一個展區展示性工作者的衣著，呈現他們如何透過不同角色的操演（performance）回應客人的性幻想。由此可見，性工作不只是身體交易，當中亦包含角色扮演以及對客人想像的回應。「按摩師」林先生提到，他工作時會帶備一個行李箱，裡面裝有緊身褲、丁字褲、西裝皮鞋等衣物，更曾有客人送他蜘蛛俠服。觀眾看不到性工作者本人，卻能從衣物這層「外皮」想像身體如何被表演與協商。

從服裝展區走到按摩房間，迎來的是一則則關於性工作者如何在私密空間中保護自己的故事。有街頭性工作者提到，曾遇上客人弄破安全套，因此之後每次都會特別檢查；亦有性工作者提到，有客人偷偷除下安全套，企圖在她體內射精，甚至對她說想和她生小朋友。這些令人憤怒的經歷提醒觀眾，性工作不只是性交易，更涉及界線、安全與自我保護。

另一位自稱「兼職男按摩師」形容，一位外表硬朗、帶著幾分耀武揚威姿態、充滿男子氣概的客人，在服務結束後彷彿卸下所有「武裝」，變成赤裸而脆弱的老人。讀到這裡，我開始意識到，性工作者面對的未必只是肉體，還有人的脆弱。他們所提供的，也是一個讓人暫時放下社會角色的空間。這亦令「性工作是工作」這句話有了更具體的意義。這份工作除了身體勞動，還涉及情緒勞動、溝通、風險管理，以及對人最原始需要的理解。

到了展覽後段，「身體如何在場」這個問題被延伸到數碼空間。網上聊天室與社交平台令性工作者更容易接觸客人，他們亦能透過隱藏樣貌等方式保護身份。但同時，平台亦帶來監控、私隱外洩等風險。身體不再必須出現在街頭，卻轉化成影像、帳號與數碼痕跡，以虛擬形式持續存在，甚至「AI阿強」模型可以陪伴寂寞的客人在深夜聊天。

展覽「身皆己身」最有意思之處，正正在於「身體在場與不在場」之間的張力。展覽沒有直接的肖像或訪問影片，也沒有把性工作者直接置於觀眾眼前；取而代之的是衣物、行李與工作用品。這讓他們的生活痕跡持續在場，而他們決定自己如何被呈現。觀眾接觸到的，不是被社會標籤的「性工作者」，而是一個個有界線、有選擇、有疲倦、有情感，也有主體性的人。

觀眾可以想像他們如何工作、表演與保護自己，卻無法完全掌握他們的容貌。這種「看不見」，反而保留了一部分距離與尊嚴。對一個長期被社會、媒體、法律甚至客人凝視的群體而言，「不被完全看見」本身也是一種主體性。對性工作者而言，「可見性」（visibility）意味身份暴露、污名、監控與被獵奇化。如果「身皆己身」意味著身體首先屬於自己，那麼身體是否出現、如何出現、被誰看見，亦應該是身體自主的一部分。從這個角度看，展覽正正呼應了「己身」的概念。
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圖片由Nicole Pun提供
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地點︰The Garage @ Heath 慶方 九龍尖沙咀彌敦道36-44號地庫
展期︰2026年9月12 - 27日
開放時間：
星期一至四 | 中午12時至晚上7時
星期五至日 | 中午12時至晚上9時

🌕🌖🌗🌘🌑🌒【中秋節 特別安排 Mid-Autumn Festival Special Arrangement】📣艺鵠書店ACO BOOKS（14/F）、艺鵠藝術空間ACO Art Space（6/F）***中秋節︰9月25日（五）*全日...
23/09/2026

🌕🌖🌗🌘🌑🌒【中秋節 特別安排 Mid-Autumn Festival Special Arrangement】📣
艺鵠書店ACO BOOKS（14/F）、艺鵠藝術空間ACO Art Space（6/F）
***
中秋節︰9月25日（五）*全日休息*
中秋節翌日︰9月26日（六）照常1 - 7pm 開店🈺

25 Sep Mid-Autumn Festival *CLOSED*
26 Sep Day after Mid-Autumn Festival OPEN as usual 1 - 7pm🈺
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預祝大家人月兩圓~ 🫶🏻

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚愈渴望，愈節制——談陳禹騫的兩件木雕撰文：慕容寬前一陣子看了陳禹騫一批雕塑，是準備9月初在大埔第一屆林村藝術節展出的。之後我不時在思考藝術家，乃至做人必須闖過的難關，即如何方能節制得宜？他的作品...
08/09/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚

愈渴望，愈節制——談陳禹騫的兩件木雕
撰文：慕容寬

前一陣子看了陳禹騫一批雕塑，是準備9月初在大埔第一屆林村藝術節展出的。之後我不時在思考藝術家，乃至做人必須闖過的難關，即如何方能節制得宜？他的作品風格簡約，材料節省（大多就地取材），更重要的是心中的感受和想法都能盡量壓縮和節制，彷彿在跟我說：生命有限，能創作的時間不多，不覺得非說不可的，就保持沉默吧。

其中一件作品叫《文明的衝突》，是一個側臉土著的木雕，鑲嵌在深藍色背景上。藍色既讓人聯想到浩瀚的穹蒼，也令人感受到一種文明的憂傷。就在這副看似在呐喊呼號的面容下，左右各有一件跟木材完全不同質感的金屬產品：一顆子彈和一支鋼筆。初看或以為鋼筆與子彈，一文一武，分別代表文化與暴力的對立。然而，子彈和鋼筆的排列都指向左方，而土著頭上的彩羽卻往右方擺。這才是作品意欲表達的真正對立：上面是美麗輕盈卻極易折斷的彩羽，下面則是堅硬冷漠而極具殺傷力的文明製品。子彈和鋼筆是暴力壓迫的雙刃劍，前者摧毀謀害弱者的生命，後者篡改抹殺他者的文化。

奇妙的是，這種不平之鳴並沒有訴諸情緒化的鼓動，而是出於冷靜而富有韻律的安排，彷彿一切不義的血腥都暫時凝定在美的觀照中。一顆子彈遠比一支槍簡約，其流線造型亦跟露出筆尖的鋼筆呼應；而兩者又與彩羽的天然曲線截然不同。這根彩羽其實很素淡，淺淺的黃色和橙色，並不鮮艷，卻散發著耀目光彩。我想竅妙就在腦後那特別發亮的一小撮散開的羽毛。真正的文明，重視的是靈光一閃的創意，而非任何刻意謀劃的控制。任何文明和人類的生命同樣脆弱，哪怕用強大的科技和軍火支撐，也難保不會毀人兼自毀於一旦，關鍵是：在歸於寂滅前，可有為其他人留下愛的靈光？

作品讓鋼筆緊排在子彈後面，彼此同流合污。但身為文化人，我還是相信鋼筆可相反而行，毋須當權力的附庸，不必受暴力的擺佈。筆固然能抹殺他者的歷史，但亦可用來重構被淹沒的真相。若自己先虛耗了精力，不懂節制，便談不上文明，連性命與修養都難以保全。

陳禹騫另一件作品，同樣令我感慨繫之。這件題為《青綠山水》的樹雕給我的感受，跟看過的青綠山水國畫完全兩樣。一截乾枯腐爛的樹木，塗上厚薄不一的青綠顔料，枯朽腐蝕的地方遂形成嶙峋的山石，間隙中還出現一道瀑布，而顔料淡薄或沒上色的地方就如同山泥的自然模樣。作品好在沒有添加樹木，房舍和人物，一切盡在想像之中。哦，他的確做了個小木人，可以隨手放在離樹不遠的位置，但習慣看山水畫的人很自然會把自己縮小再仰望，或升高而俯瞰。小木人不妨說是一記幽默，提醒我們這些看官，不要像木頭般呆在一處，要繞著圈立體地看，才會更有「看頭」。同時，這件山樹一體的作品也不妨視之為對黃賓虹山水畫造境中「山即樹，樹即山」的另類呼應。

國畫上的青綠色，一般會帶出明亮秀氣或清朗典雅的感覺，但在這裡，青綠既使枯樹彷彿重現生機，也同時使之更顯滄桑。這不是矛盾，而是人生的實相，暮年和朝氣相容，嚴肅與活潑互通。陳禹騫年輕時在巴黎學攝影，後來回港從商，興趣是收藏藝術品，平時在林村打理自家的花園。到60多歲，卻一頭闖進從未踏足的領域，在短短數年間（尤其是過去兩年），創作了近百件木雕，不少都富有幽默和童趣（這次展出50幅攝影和80件木雕）。

創作本是生命力的表現，而生命力是無法抑制的。節制就是不讓散亂的自我耗神於自以為有趣的事物上，而是讓生命本身，在你我身上，顯現出最合適的聚焦點。當造物者垂青時，即使是朽木，也能將整個春天召喚回來。

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圖片由作者提供
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【第一屆林村藝術節】
日期︰2026年9月4日至13日
時間：上午10時至下午6時
地點：新界林村文化中心（大埔林村許願樹廣場旁，免費入場及免費車位）

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚Nicole Pun評CHAT 六廠《織時大叫！》多年來，參與式藝術（Participatory Art）一直吸引著我，可惜每次踏入白色盒子，換來的卻是失望不快的經歷。藝術一旦被放進莊嚴潔白的展...
04/09/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚
Nicole Pun評CHAT 六廠《織時大叫！》

多年來，參與式藝術（Participatory Art）一直吸引著我，可惜每次踏入白色盒子，換來的卻是失望不快的經歷。藝術一旦被放進莊嚴潔白的展覽空間，那種高高在上、不可觸碰的氣氛總令人卻步，很難放開懷抱去嘗試、去玩、去體驗。我也試過在藝術館體驗參與互動作品，卻遭保安提醒「不是這樣玩」，又或者「你不能把模型砌得太高」，隨即把我的模型拆開，感覺真的很差。久而久之，藝術館成為充滿規則的地方：我們知道與作品保持距離，也知道身體不能太自由。

參觀《織時大叫！》展覽後，我重新感受到參與式作品的魅力。參與《ESP/能量光譜派對》時，我拿著毛線，沿著架上線條和不規則圖案來回打圈。最初不知從何開始，拉線、纏繞和打結的過程中，我慢慢放鬆下來，變得更專注，也逐漸熟悉毛線的張力。我開始留意其他人如何連繫繩線：有人把線拉得很直，有人讓它垂下，也有人沿著前人的痕跡繼續編下去。

這種體會令我想起 Nicolas Bourriaud 所講的「關係美學」（Relational Aesthetics）。藝術除了供人觀賞，也成為人與人相遇、互動和建立關係的空間。在作品《ESP／能量光譜派對》中，參與者留下的線條與前人的痕跡交疊。雖然彼此互不認識，每個人的動作仍會影響後來者如何觀看、移動和持續編織。竹、布條和毛線只是載體，真正構成作品的是參與者留下的痕跡。

另一個令我難忘的作品是《PSC／聲之多彩俱樂部》，由 Slow Art Collective ── Chaco Kato、Dylan Martorell 創作，整個展廳以布條連繫竹管、廚具、樂器。觀眾將網球投入竹管內，讓球體穿梭場地不同角落，途中撞擊發聲裝置，製造出意想不到的聲響。

星期天的展場裡，家長帶著小孩反覆嘗試投進網球：有人等待聲音出現，也有人觀察他人玩法。作品沒有固定樂譜，聲音由大家的動作即時產生，於是一個人放入網球後所製造的聲音，成為他人經驗的一部分。工作人員沒有干預各種意想不到的玩法，只是友善地提醒參與者拾回網球。

《PSC／聲之多彩俱樂部》明顯地把人與人之間的短暫聯繫帶到當下展廳。陌生人沒有交談，卻透過聲音、模仿和觀察彼此回應。作品的「完成」不在於最終形態，而是參與者彼此投入、互相呼應的「大合奏」。

這也令我想到一個問題：短暫的共同參與，究竟是否真的建立了人與人之間的關係，還是只營造了一種「大家一起玩」的氣氛？藝評人Claire Bishop曾對Bourriaud的「關係美學」提出質疑，認為這類作品往往預設參與必然帶來良性的共融，卻甚少處理當中的排斥、不對等的問題。這個提問，也令我重新思考《織時大叫！》所創造的共同參與，究竟是一種真正的關係建立，還是一種短暫而愉快的共處。

總而言之，《織時大叫！》展覽有趣之處是放下了藝術館「不能碰、不能錯」的距離感，讓觀眾先用身體進入作品，再慢慢理解作品。相比只能遠觀的藝術品，這兩件大型的參與式藝術是兩個持續變動的場域，它們的形態、聲音和氣氛都依賴觀眾的介入。沒有觀眾，作品只是靜止的物件；唯有當觀眾的觸摸、聲音和行動介入其中，參與式藝術的意義才真正發生。
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圖片由Nicole Pun提供
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展期︰即日至10月25日（逢星期二休館）
時間︰上午11時至下午7時
地點︰CHAT六廠（荃灣南豐紗廠2樓六廠紡織文化藝術館）

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚大館「2008年後的藝術與中國」第二章《保持在線 全球供應》撰文：Iris大館當代美術館舉辦「2008年後的藝術與中國」系列展覽第二章——「保持在線：全球供應」。有別於展覽第一篇章「雲中遊蕩」以...
23/07/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚
大館「2008年後的藝術與中國」第二章《保持在線 全球供應》

撰文：Iris

大館當代美術館舉辦「2008年後的藝術與中國」系列展覽第二章——「保持在線：全球供應」。有別於展覽第一篇章「雲中遊蕩」以科技敘事，探討數碼科技對人類關係與社會結構的影響，第二篇章聚焦人文視角，以九十年代中國急速發展的經濟、勞動力、國家規劃、城市景觀為基調，透過藝術形式呈現社會現實和全球化引發的憂慮和弊病。

「保持在線：全球供應」展覽分四個單元展出，共約70件作品，包括三件委約作品，展示人類活動留下的水土足跡，刻劃勞動百態，顯示勞動力協作流轉的隱形網絡，以及重塑全球的跨國人流、物流與意念交流的離散議題。沿著策展路線參觀，是一場由八、九十年代出發到廿二世紀、由單一具象走到宏觀視點的旅程。

「保持在線」可分兩個層面理解，第一層是社交媒體軟件上顯示的「在線上」；第二層面是開工前打卡上班顯示「上（工作）線」。在「勞動百態」單元中，門口放置了打卡機——作品《平凡的一刻》，讓參觀者「打卡」，模擬上班族的刻板程序，亦提醒觀眾進入「工作狀態」。觀眾接著看到童文敏創作的《工廠項目—592厘米的認同》、《工廠項目—打鐵》和《工廠項目—睡覺》系列錄像。藝術家走進重慶的合偉鐵藝廠打工，不斷反覆拋擲鐵支、扭曲變形，從重覆而單一的工序，揭示勞動力中主體與物體的模糊界線。「在線上」的意義，是沒有下班休息時間，隨時候命。另一部影片記錄了童文敏的休息情況，沒有表情、沒有放鬆，只是機械式地躺在床上，揭示身體耐力在工業勞動中的消耗。

工廠作業從生產到出售，供應鏈的敘事只著重商品與消費者，中間那段漫長的人力血汗路徑，被量化壓縮成「效率」。不論是工業或網上平台，勞動力只是廉價品的代名詞。這次展覽所選的作品，則重新拉長那段漫長路徑，讓勞動成為觀眾直面的主題。如在《夢中的投遞》錄像中，藝術家鄭源以外賣車手在街邊長凳上睡著作第一身敘事，夢中他與其他車手靜止如雕像，在荒野中休息。他們天天擦身而過，以每日的騎行路程計算，足以由中國到巴黎、羅馬或埃及。在美團、拼多多、淘寶等網上平台充斥的社會，便利省時的成本背後，暴露中國散工經濟下，從業員遭到的不平等對待和犧牲休息時間，以滿足追求效率的「中國速度」。

由勞動力到城市發展，中國一直展現驚人的速度。一座座舊城區的拆遷、重建，往往在幾年間輪流上演。「水土足跡」單元探討工業污染、拆遷、保育等議題。作品《在它劃下的紋路裏》和《梳》錄像中，藝術家韓倩和李明分別以不同手法，表達對舊居拆遷的不捨和傷痛。前者以卵石與貝殼，拼湊出長者口述記憶中的舊居，追憶失去的故土，並以此對抗新建造的地標，藉此保存正在消逝的城市故事。對比前者透過溫婉手法表達離別之情，後者以荒誕、超現實的方式面對舊居拆遷。在半毀的廢墟中，挖土機輕輕梳著一個人的長髮，看似溫柔的舉動，卻暗藏殺機，將用於破壞的機械手臂轉化為照料的工具，描繪出個體的脆弱與權力橫蠻之間的張力。

藝術家陳維擺拍的攝影作品《燈箱》、《昨日商店》、《荒池》和《旋轉派對》，呈現出廢棄的游泳池與荒涼的店面、被剝開的燈箱廣告牌，與孤零零的螺旋樓梯。昔日人來人往的地方和閃耀的燈箱廣告牌，頃刻變成棄置物。 當空間的建造與棄置速度遠超人類連結及記憶紮根的速度，人又如何對土地產生歸屬感？土地不能承載回憶，個體與土地的關係只會日漸疏離。在觀賞過程中，觀者不斷拷問︰在城市發展中我們失去了甚麼、又換來了甚麼？平民百姓有甚麼價值？

「保持在線」，並不只是一個符號、一個象徵，而是一個需要被思考的問題。

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圖片由作者提供
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此文章由1a空間《香港視覺藝術評論培育計劃 2025-2026》學員撰寫。自 2017 年起，1a空間透過此計劃為本地新晉藝術評論人提供培訓及發布作品的機會。

This piece was written by a participant in 1a space’s ‘Hong Kong Visual Art Criticism Incubation Programme 2025-2026.’ Since 2017, this programme has provided training and publishing opportunities to emerging local art critics.

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚CERTAINLY, But For Whom?Text: Tiffany Chung Perhaps it is time to turn the corner, spatially ...
16/07/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚

CERTAINLY, But For Whom?
Text: Tiffany Chung

Perhaps it is time to turn the corner, spatially and literally.

With its matte-gold exterior and murals by the instantly recognisable local artist Lousy along the pedestrian walkway leading to 42 Wong Chuk Hang Road, CERTAINLY began before one even steps into the space. A play on the title, in more ways than one.

Inspired by American artist-composer La Monte Young’s 1960 “score”, Composition 1960 #10, which reads simply: “Draw a straight line and follow it.” GOLD by Serakai Studio, positions itself as a trifecta - an exhibition space, incubator and gathering point for creatives to experiment. This inaugural group show brings together 11 artists from diverse backgrounds, cultures and media, situating itself strategically in the booming Island South neighbourhood and, on the grander scheme of events, within the much-anticipated hustle and bustle of Art March Hong Kong 2026.

Follow aside. Read between the lines.

The unblemished entry, with its speckle-free ambience and polished concrete flooring, could initially leave one assuming the feel of yet another intimidating white-cube space. Fear not, the turn of events quickly surprises. A short corridor, lined with handwritten forewords, eases the arrival and unfolds into a monochromatic, liminal space that feels refreshing and boundless, with no walls or partitions to interrupt the mind’s wandering.

The conscious application of spatial design is evident here: direct projections, the play on lines, visuals, texture, words, sounds, and modern displays to let the work speak not as a didactic exercise but as an experiment in shared uncertainty. It is a deliberate choice to let visitors become part of the exhibition itself, without quite knowing what to expect next. (……)

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This piece was written by a participant in 1a space’s ‘Hong Kong Visual Art Criticism Incubation Programme 2025-2026.’ Since 2017, this programme has provided training and publishing opportunities to emerging local art critics.

此文章由1a空間《香港視覺藝術評論培育計劃 2025-2026》學員撰寫。自 2017 年起，1a空間透過此計劃為本地新晉藝術評論人提供培訓及發布作品的機會。

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Full text >> https://www.aco.hk/single-post/certainly-but-for-whom

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚Nicole Pun 評〈From Alley to Ally〉攝影展覽走在尖沙咀街角，我一轉身，便被黃色的光線所吸引。如夜總會般迷人的黃燈，細看之下，才知道這是一個攝影展覽，展現街角小人物及 ...
11/07/2026

⊚艺鵠藝評 ACO Art Critique⊚

Nicole Pun 評〈From Alley to Ally〉攝影展覽

走在尖沙咀街角，我一轉身，便被黃色的光線所吸引。如夜總會般迷人的黃燈，細看之下，才知道這是一個攝影展覽，展現街角小人物及 LGBTQ＋群體的肖像。攝影展覽不在白色盒子裡舉行，而是在街頭、酒店對面、五金舖旁邊，招牌仍是上一手找換店及鐘錶店。在如此語境下，它訴說著城市荒誕的一面：香港人重視金錢與時間，在時代巨輪之下，如此重要的小店未能存活，藝術卻偏偏在轉角處，以龐大的生命力悄然生長。

展覽空間不大，只有十多幅黑白攝影作品。我被門口兩張大型的變裝皇后（drag queen）照片所吸引。他們都在凝視他方，打扮得花枝招展，活在自己的世界裡。另一系列 LGBTQ＋作品以迷濛的布面隱約印刷，暗示這班小眾在城市中若隱若現。他們戴上面具，或是變裝皇后，或是 cosplay 人物，正面凝望著鏡頭，展現自己的主體性（subjectivity），操演（perform）著他們的性別。

法國思想家羅蘭．巴特（Roland Barthes）在《明室：攝影札記》（Camera Lucida）中，提出「刺點」（punctum）一詞，指照片中某個瞬間觸動、刺穿觀者情感的細節。我感到攝影師對這群體有更深的理解。例如，半裸的失落天使站在超市前，情景十分超現實。對我而言，她一隻反白的眼睛，是整張照片的「刺點」。她直視觀眾，在混雜的城市中，以堅定的眼神說：「這就是我。」明顯地，這些作品的擺拍感挺強烈，攝影師與他們有過溝通，角度與視覺語言也較為一致，令人印象深刻，是整個攝影展覽的焦點。

在另一面牆上，鏡頭轉向街角的小人物：拾荒者、老人、外籍人士……人物有數張面向鏡頭，也有數張別過臉去。攝影師是否在告訴我們：這些小人物平時在生活中不起眼，卻每天存在於街道之上？這屬於羅蘭．巴特所言的「知面」（studium），即是一種偏向理性的閱讀：觀眾理解它是一組街拍，也理解它所描繪的香港眾生相。小人物系列提供了社會脈絡，讓觀眾理解作品，卻未能像「刺點」般，刺穿觀看者的情感。

黑白街頭攝影有著日本攝影的淵源。日本攝影師往往以身體感知城市，記錄底層社會的頹敗，透過他人的生活，對社會提出批判，引發反思與挑釁。因此，他們追求的不只是視覺上的衝擊。可能受限於展覽空間，相比LGBTQ＋群體的擺拍肖像，小人物系列只是停留於純粹客觀的觀察——「這些人存在而已」。

展覽的敘事仍有改善空間。一開始，我以為這些小人物也可能是 LGBTQ＋群體、變裝皇后的一部分——或許是他們卸下妝容、回到日常工作的模樣。變裝皇后畢竟亦是普羅大眾。如果展覽介紹能進一步說明兩組作品間的關係，或兩組作品如何彼此對話，整體敘事相信會更為完整，觀眾亦更容易走進他們的生命經驗。
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圖片由作者提供
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〈From Alley to Ally〉攝影展覽
展覽日期：2026年6月13日 - 7月26日（已更新）
展覽地點：The Corner Shop 尖沙咀赫德道11A-11D號

Address

灣仔軒尼詩道365-367號富德樓14樓
Hong Kong

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