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03/08/2026

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本來應該從從容容、游刃有餘的優雅貓貓，怎麼到了這位攝影師的鏡頭中，總是匆匆忙忙、連滾帶爬咧 😭

這位甘願趴倒在地、尾隨貓影，甚至因為鑽進巷弄瘋狂拍貓而被當作怪人，險些被警方帶走的日本超人氣攝影師沖昌之，他對貓的癡迷與熱愛，絕對超乎你的想像。

首先，他可不拍那種優雅、可愛，睜著水汪汪大眼睛的敲口愛家貓——那太庸俗了！沖昌之的鏡頭，專注於街頭的流浪貓，並執著地捕捉牠們出糗、失態的珍貴瞬間。他曾發下豪語，要拍出「他人無法仿效的貓咪照片」，並從 2014 年一路拍到今天，從未停歇。

談到自己的攝影哲學，沖昌之大方分享，若想將目光放在街頭的浪貓身上，友善地對待每位膽小的貓咪先生／小姐，學會尊重與耐心才是重點：「讓貓明白你的目的非常重要，牠們十分敏感，若只是稍微玩一下，浪貓是不會放下戒心的。想要靠近甚至拍照的話，那就先贏得牠們的信任再說！」

於是在許多媒體報導中，讀者們總能看到他趴伏於地、與貓咪平視，以最不具威脅的姿態緩慢靠近。他甘願放慢腳步，靜靜等待，直到那些戒心重重的小傢伙敞開心扉，這才會舉起相機，親密且近距離地捕捉下牠們自在而無防備，甚至是出糗、凸槌的可愛模樣。

「不過，在住宅區裡拍貓咪可不容易，」他笑著說：「畢竟我也經常被認為是可疑人士呢⋯⋯」

看來想成為一名合格的貓咪攝影師，不光要懂貓、愛貓，還得和街坊鄰居打好關係才行。

沖昌之 Instagram：＠okirakuoki

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03/08/2026

在日本，你可以在大雪之日在皚皚大地之中，發現身在溫泉霧氣中的猴子，或是蜷縮雪中沉睡的狐狸；或是，跟著藝伎踩著輕碎的步伐，在秋日的奈良街道採集楓葉和日落的火焰，在某個夏日的清晨走上佛寺側耳傾聽山谷迴盪的跫音，回首發現向晚的日頭懸在神社笠木，餘暉在海面上波光粼粼。

日本作為東方文化的代表之一，它的春夏秋冬各有值得令人駐足凝神的風景，其豐富的文化與自然遺產，讓人即使只是見證了一日短暫的日出與日落，就能感受到生命本質上純粹的喜悅與富足。

2013 年移居柏林的日本攝影師山田悠人，在一次因緣際會下，時隔多年回到家鄉東京，當以一副全然外國人的眼光觀看自己成長的故土時，「想透過自己的能力與作品，向世界傳達日本的美麗。」這單純的想法自心底油然而生，引領山田踏上壯遊日本各地的旅途。

繼 2022 年首度出版的日本美景攝影集《JAPANISM ―世界に伝えたい、日本美景―》，他並沒有停下記錄日本風景的腳步，從富士山到軍艦島、北海道到沖繩，再從繁華城市到寧靜鄉村，他持續捕捉他心目中日本最美的時刻。

網羅數十年的日本風光，2026 年出版的新作《Japan: Yuto Yamada》是一冊更為完整的情書。本書收錄山田悠人十餘年來拍攝日本風景的 200 多幅作品，並交織著傳統工藝職人的側寫訪談。從沉浸式的自然攝影，到日常生活中不經意的場景，他的足跡遍佈日本各地，留下四季的吉光片羽，描繪一個歷史與現代融合、文化底蘊深厚的國家的多種面貌。

讀者不僅可以跟著他的作品遊歷日本，漫步於時間靜止的小巷，或在東京熙熙攘攘的街頭，參與日本傳承百年的祭典儀式，見證四季更迭，感受城市的喧囂與萬物的寧靜。《Japan: Yuto Yamada》採用大開本精裝，書脊選用亞麻布材質，封面使用特製紙張，並以傳統的日式書腰（帯／おび）包裝。從裡到外，感受日本最凝練、優雅、渾然天成的美麗。

山田悠人《Japan: Yuto Yamada》
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02/08/2026

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何藩《念香港人的舊》
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「文學家和畫家可以依靠記憶去創作，但寫實攝影家無法可將記憶拍攝出來，因此必須把握時機。」—— 何藩

早在半世紀前便聞名國際的攝影大師何藩 (Fan Ho)，在其人生最後一段時光中，整理封塵已久且未曾面市的舊底片，耗費一年時間挑選出 500 幅作品並重新掃描剪裁，只可惜作品尚未整理完全，因病於 2016 年離世。其家人為完成何藩遺願，接手製作，最終精選 153 幅作品，收錄成冊，成為這位攝影大師的最後作品：《念香港人的舊》。

此書收錄的影像皆拍攝於上世紀五、六〇年代的香港街頭，更收錄了少見的彩色照。何藩曾寫過：「每一張作品都是一個小窗子，透過它來看出作者眼中所見的人生世界。」，也因此，這些影像不單僅是攝影師手中的作品，更是其親眼所見的珍藏記憶。半世紀前維多利亞港上的泛舟船伕，中環街市的熙來攘往，勾勒出老香港大街小巷的生活百態。而面對這些已消逝的香港面貌，何藩將其最後傑作，送給這一代的香港人們，緬懷那些曾經的流金歲月。

此書《念香港人的舊》在何藩逝世週年出版，是繼《香港追憶》(Hong Kong Yesterday, 2006)、《人生舞台》(The Living Theatre, 2009) 和《香港‧往日情懷》(A Hong Kong Memoir, 2014) 後的第四部攝影作品集。相較於前三部作品，此書是最貼近紀實攝影的一系列，在他擅於運⽤光影的強烈風格中，透過幾何線條勾劃出庶民百態，其鏡頭穿梭於平淡生活之間，一探舊時風貌、昔日煙雨，更添上無限詩意。

何藩在攝影界有「一代宗師」之名，更被譽為「東方布列松」。1931 年出生於上海，1949 年移居香港。何藩的攝影作品多產時代集中於五〇年代中至六〇年代中期，在此一期間他的黑白攝影作品在香港已處於領導地位，而他的攝影手法更在當時蔚為先驅。通過參加比賽贏得近 300 個地區和國際性大獎，亦是多國攝影學會榮譽會員，其中包含英國皇家攝影學會及英國皇家藝術學會。

《念香港人的舊》一書由著名導演吳宇森以及知名攝影師、攝影研究者與策展人馮漢紀賜序。每一幅作品皆親自起題，全書交雜著何藩的短文，初出於 1959 年所著的《街頭攝影叢談》。透過藍蓮畫廊創辦人 Sarah Greene 的努力、何藩其家人的協助與 WE Press 香港人出版社共同將這一幀幀已不復見的風景集結、完成並面市。

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《Happy Design Families Game》
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《Happy Design Families Game》是一款結合設計與休憩娛樂的卡牌。它透過將一系列生活中常見的設計作品繪製、分類成經典 (iconic)、創新 (innovative)、實用 (useful)、永續設計 (virtuous) 與親生物設計 (biomorphic) 等 10 個家族 (family) 加上一張鬼牌，展現人類設計史全面圖景外，亦概述設計起源至今的發展歷程，讓玩家在享受卡牌遊戲帶來愉悅的同時，靠近生活中無處不在的設計身影。

整組牌面包羅萬象，囊括檯燈、手機、帳篷、椅子、手錶等日常生活物品，收錄如 Charles & Ray Eames 設計的 RAR Armchair、手錶 Swatch、Nokia 5100、彈開式帳篷 Pop Up tent 等，以及經典設計師 Michael Thonet 、Ettore Sottsass、Tinker Hatfield 等人的代表作品──讓我們跟著遊戲規則，一起進入設計類卡牌的樂趣與奧妙宇宙之中吧！

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《Tokyo Jazz Joints》
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⟣ 在爵士喫茶店裡，每一刻都是悲傷：攝影師用 8 年紀錄即將消失的日本文化

爵士喫茶店是什麼？簡單來說，就是「用好音響播放爵士樂的咖啡館」₁，起源於上世紀的日本。在那個年代，爵士樂是品味的象徵，但黑膠唱片過於昂貴，而那些夢寐以求的高級音響，可能一輩子都買不起──在爵士喫茶店，只要一杯咖啡的價格，就能得到雙重滿足。不過隨著時代變遷，如今這些老店正面臨著消失危機。

面對這個即將消逝的文化，愛爾蘭攝影師 Philip Arneill 決定展開一場攝影計畫，邀來美國廣播人 James Catchpole 一同走訪全日本，耗時 8 年拍下 168 間爵士喫茶店，並出版為攝影集《Tokyo Jazz Joints》。對他們來說，這個計畫帶有一種急迫性，「目標並非拜訪每一個地方，而是在它們消失前盡可能紀錄下來。」

一間典型的爵士喫茶店，往往隱密又孤立，相當有個性，有些店甚至規定不能用手機，禁止聊天性質的交談，以免打擾到音樂。在實地拜訪無數店家後，兩人歸納出爵士喫茶店的 6 大關鍵元素：空間窄小、光線昏暗、環境幽靜、出色的音響設備、龐大的唱片收藏，以及一位熱愛享受這一切的老闆。

「日本的爵士喫茶店充滿了愛，」他們興奮的說。「一種對音樂、音響、唱片、酒飲、社交聚會、共同興趣和對人性的愛⋯⋯這就是為什麼我們花了 8 年多的時間在這個攝影計畫上，為了展示日本鮮為人知的一面，一個即使是世界上最偏激的爵士樂迷，都會感到驚奇和興奮的次文化。」

在爵士喫茶店，一切都是為了音樂存在，帶有極致的匠人精神，Philip Arneill 更將它們比喻為一種宗教空間：老闆是傳道者，狂熱而虔誠的主持著店內音樂，作為一種儀式性的日常行動。褪色的黑膠唱片被供奉起來，巨大音響系統如同神社。唱針落下，慢速旋轉，你聽見爵士樂，眾神回歸。

這個迷人的日本文化，最早發跡於 1920 年代，戰後來到全盛期，去爵士喫茶店聽音樂，一度是日本人的都會日常，然而，隨著串流音樂的普及、從業者的老化和音樂品味的轉變，它們漸漸被淘汰。過去半世紀，光是東京就有約 100 間店消失，願意特地花一個下午沈浸在音樂裡的人，已是稀有物種。

消失的不只是空間，還有歷史記憶。1933 年創立於橫濱的 Jazz Cafe Chigusa，長年被譽為日本最古老的爵士喫茶店，美麗的建築和 6000 多張黑膠唱片，曾在二戰時期被空襲摧毀。戰後歷經了重新開張、初代老闆過世、轉售房地產，奇蹟似的倖存近百年，依然逃不過關店命運，近年已轉型為博物館。

「這些地方本身就有一種憂鬱感。」他們擔憂的說。老闆和顧客都老了，很多地方沒有錢，永久歇業只是時間問題。身為攝影師和作家，除了留下紀錄，他們無能為力，不過他們也從中體悟到日本文化的無常特質。

「在店裡度過的每一刻都帶有一絲悲傷，因為可能就要消失，但這也是它如此美好的原因。」

作為一冊爵士喫茶店的完整紀錄，《Tokyo Jazz Joints》由攝影師 Philip Arneill 和廣播人 James Catchpole 共同製作，為這珍貴的日本文化留下見證。2023 年首度出版，初版 3000 本全數售罄，此為 2025 年出版的日文版。

𝄪 註1：資料來源《爵士喫茶案內所》

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Larry Sultan《Water Over Thunder: Selected Writings》
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Larry Sultan 是二十世紀最重要也最受讚譽的美國攝影師之一，過去人們認識 Larry Sultan ，多半是來自於他的經典作品《Pictures From Home》(1992) 。在這本攝影集中，影像在私攝影的日常情感與編導式攝影的藝術美學之間，抓到無與倫比的平衡，彷彿對時間與記憶提出反思，同時消弭攝者與被攝者間的距離，以親密的影像衝擊觀者內心，也從此使他名留史冊。

但較少人知道的是， 除了身為攝影師，Larry Sultan 同時也是一名寫作者。

《Water Over Thunder: Selected Writings》是首本專門探討 Sultan 如何將寫作廣泛地用於個人、藝術和教學領域的著作。穿插 Sultan 過往精彩的公開演講和訪談節選，闡明他一生探索的問題，亦著重他最著名的系列作品《Pictures from Home》、《Evidence》 (1977) 和《The Valley》(2004) 的攝影主題、文字回顧與影像內容。

本書「水」的意象，除了反映藝術家創作文字的含義，也有重要的象徵涵義。書名 “Water Over Thunder” 取自《Pictures From Home》的早期草稿， Sultan 當時正在著手進行一個全新的藝術專案，他如此寫道：「一切都在移動，從各種表面旋出、撞擊著陰影⋯⋯我們似乎不可能在這裡找到一絲縫隙。」

本文集收錄許多過去未公開的文本， Sultan 的大量日記和筆記，內容涵蓋他對教學和藝術實踐的反思、短篇小說草稿、生動的夢境日記以及精緻的散文之外，亦收有標記過的底片、未發表的照片、勘景照、收藏的舊照片以及書籍樣稿的排版頁面等，《Water Over Thunder: Selected Writings》不僅是一冊收藏 Larry Sultan 思想的專書，同時也是看見一位藝術家在創作過程中，建立、實現思辨自身技藝和周遭世界的私密絮語。

美國攝影師 Larry Sultan，1946 年出生於布魯克林，2009 年過世於加州。曾於舊金山的加州藝術學院擔任攝影學特聘教授。於聖費爾南多谷度過的童年，爾後成為他創作的主要靈感來源。他介於紀實與編導式攝影之間的攝影風格，細膩描繪了美國郊區家庭生活風景。Larry Sultan 的經典作品廣泛地被提起與展出，其作品目前分別館藏於洛杉磯郡立美術館、芝加哥藝術博物館、MoMA、惠特尼美國藝術博物館、所羅門・R・古根漢美術館與舊金山現代藝術博物館。

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31/07/2026

moom bookshop 10週年了！

2016 年開始，moom 持續從世界各地引進一本又一本藝術書。我們相信，每一本書都有被看見的價值，也期待書本們都能找到屬於自己的讀者。謝謝每一位走進書店的讀者、每一次翻閱、每一份支持，才有這十年的累積。

一本書，可以陪伴一個人很久；希望一間書店，也可以陪伴大家很久。

8/1–8/31 十周年慶特惠活動，精選了5,000本藝術書籍，全面49折起，歡迎回到書店，一起迎接下一個十年。

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2016 年開始，moom 持續從世界各地引進一本又一本我們相信值得被看見的藝術書 ，也促成了許多讀者與書本的相遇。這一路經歷了各種困難與挑戰。謝謝每一次推開店門、每一次翻閱、每一次支持的讀者，才有這十年的累...

31/07/2026

只是拍攝日常街頭的攝影照片，也是有「品味」的嗎？

1981 年，彩色攝影先驅、出生比利時的攝影師 Harry Gruyaert 加入了馬格蘭攝影通訊社，也是通訊社首次接納藝術背景出生的攝影師。儘管當時許多人支持 Harry Gruyaert 的加入，但也有部分成員認為，如果接納 Gruyaert ，馬格蘭就完了，因為這裡是一個著重新聞報導與人文攝影，而非彩色街頭攝影的頂尖攝影組織。

彼時的歐洲攝影，仍是以人文式的黑白攝影當道。提及色彩，常被視為譁眾取寵的代名詞，不過是商業攝影與廣告中為了刺激消費的糖衣——但與此同時， 1960 年代初的美國，正在颳起一股改變「藝術」定義的新風潮：普普藝術 (pop art) 。

1986 年， Harry Gruyaert 初次來紐約時，恰巧搭上了這般通往鮮豔色彩與通俗商業的藝術列車。

對這位歐洲攝影師而言，他在紐約的初次經歷令他感到無比振奮。他見證了普普藝術運動的蓬勃發展，如同經歷一次洗禮，激發他捕捉城市地域獨特性的渴望。更重要的是，普普藝術對媚俗和荒誕的詮釋改變了 Gruyaert 與攝影的關係，「普普藝術讓我開始用一種饒有趣味和幽默感看待某種平庸之物。在比利時，一切似乎都是灰色的。我當時用黑白攝影，因為我看不到任何色彩。在接觸普普藝術之後，我漸漸開始同時拍攝黑白和彩色照片，色彩也變得越來越有趣。這是一種平庸之美，一種粗俗之美。」他說。

翻開他長年拍攝紐約的攝影集《New York》，不難注意到他的攝影目光從來不是追隨所謂傳統的人文紀實攝影，而是他眼中「有趣的東西」。這種有趣，有可能是街角的驚鴻一瞥，有可能是來自廣告看板、建築工地、餐車、餐廳和理髮店交織的色彩魅力——人們驚異於他將攝影的色彩作為一種表達情感的方式，那是一種冒泡般沸騰、狂亂的融合，最令人驚奇的往往不是影像傳達的事件，而是它們的平庸之處。

從 1969 年至 2017 年間，Harry Gruyaert 多次造訪紐約，每一次都在這座城市發現新的景象與層層疊疊的色彩，在城市節奏中找到蘊藏其中的平凡魅力。「我幾乎從不去想照片裡的人物，」 Gruyaert 在發表《New York》的記者會上說：「我更注重的是各種色彩、韻律在一張影像中的結合。」

替本書撰寫前言的法國導演 Cédric Klapisch 寫下：「當你在紐約，往一條隨機的街道望下去，多半會覺得沒什麼可看，或至少沒什麼有趣的。但這正是 Harry Gruyaert 想要拍下的。他有條不紊地捕捉到作家 Georges Perec 所說的『日常之下』 (infra-ordinary)⋯⋯這位作家更感興趣的是『沒有出軌的火車』，是我們每天搭乘的那一班，而不是好萊塢電影裡的那種。」

看見日常，發掘平凡事物的人性藝術內裡，正是 Harry Gruyaert 花上一輩子拍攝彩色攝影的意義。至於一幅攝影作品到底有無品味高雅與庸俗之分——這位經歷普普藝術洗禮的攝影師認為：「沒有所謂的『品味很差』，我們要去做的是要利用平庸，接受平庸，並用幽默感去看待它。」

Harry Gruyaert《New York (英文版)》
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31/07/2026

被譽為「日本畫的中流砥柱」的藝術家村岡貴美男，以傳統日本畫為核心，不斷超越這種媒材的界線、堅持手工繪製，他相信手工創造的不規則正是生命。就讀東京藝術大學的期間，他偶然在書店見到一本關於龐貝古城的攝影集，其中「祕儀莊」濕壁畫的照片帶給他強大的衝擊，尤其是畫中赭石色系的原始紅色。

「我被紅色系顏料的美深深打動了。」村岡貴美男說。「它代表了泥土、血液、生命、火，極度絢爛。祕儀莊壁畫的顏色，正是那種赭石。在看到那種紅褐色的瞬間，我內心中有某種東西覺醒了。自那之後，那個顏色就深深印刻在了我的深層意識中。」

本書《秘儀荘》是村岡貴美男的作品集。具有幻想性質的女性姿態、幾何學式的裝飾紋樣、充滿謎團的象徵符號，而受祕儀莊影響的紅色隱約貫穿作品的主要基調，傳遞出難以言喻的神秘與驚奇。「我想傳達的藝術理念，既不是那種有異樣感覺的刺激性表現，也不是治癒系這種能夠被人輕易定義的藝術風格，而是即使看似安靜，也有喚醒人的力量。」

村岡貴美男《秘儀荘》
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30/07/2026

「即使是最好的相機，也做不到繪畫能做到的事⋯⋯電影同樣無法做到。」── 馬蒂斯

身為現代藝術史上的革命性人物，亨利・馬蒂斯（Henri Matisse）不到 30 歲就開始在顏料裡冒險，用顛覆時代的繽紛色塊揮灑出野獸派的雛形。他運用不同媒材，挑戰、探索、推翻與反思藝術的界線，從繪畫、素描、雕塑到晚年的剪紙，顛覆了二十世紀初人們看待藝術的視角。

身為畫家，很少人知道馬蒂斯同時也是一位文情並茂的作家，儘管繪畫是他的畢生志業，但那些充滿感染力的文字，仍透過報刊文章和寫給親友的大量書信流傳至今。

那些真摯而私密的書寫，橫跨了馬蒂斯坎坷的一生。早年那些詼諧、閒聊式的信件，描繪了他奔波海外畫壇的生活；兩次世界大戰期間，信件則充滿時局評論和對親友的焦急關懷，甚至流露近乎絕望的心情；隨著歲月推移，書信內容逐漸轉為他對藝術與人生的思索，晚年的回憶與平靜省思。

「當你為了取悅別人而創作，終將一事無成。」

「我常對年輕學生說，如果你想畫畫，那麼首先你必須割掉自己的舌頭，因為如果你想要表達自己，就不能用畫筆以外的方式。」

「重點不在於畫出我眼中的那棵樹，而是畫出那棵樹如何觸動我的心靈⋯⋯唯有當我在樹中看見自己時，才能真正畫出它。」

「耳朵對人的神韻有極大影響，必須仔細而完整的描繪它，不可隨意帶過。」

「藝術家有兩種，一種人每次都畫出一隻全新的手，另一種人則畫出「手」的符號⋯⋯透過符號，你可以創造自由而富有裝飾性的構圖。」

「無論是第一幅畫，還是最後一幅畫，我們始終存在於自己的每一件作品中，從未改變。」

「最重要的是，忘記自己，然後飛翔。」

即使到了晚年，馬蒂斯依然在意自己的寫作。1947 年，年近 80 歲的他在書中寫下：「如今我所剩下能做的，就是記錄一些想法，整理一些我在身為畫家的一生中陸續寫下的筆記。我懇請願意耐心閱讀的人，將它們看作畫家的文字，給它們一點寬容。」

《The World According to Matisse》一書正是從馬蒂斯的文字書寫中精選而成，匯聚了許多經典語錄，並交織編排他的畫作，透過一位偉大藝術家的思想和畫筆，勾勒出一幅獨特的精神世界，一種甘願為藝術獻身的生命觀。

🔖 以上語錄皆出自《The World According to Matisse》
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